Fotógrafos mexicanos contemporáneos más importantes

La pregunta de quiénes son los fotógrafos mexicanos contemporáneas más importantes es legítima, pero casi siempre viene envuelta en una intención que no se dice: alguien quiere saber a quién estudiar, a quién seguir, con quién comparar su propio trabajo. No es curiosidad enciclopédica. Es orientación.

Esta no es una lista exhaustiva ni pretende serlo. Es una selección con argumentos, y con los nombres que, a mi juicio, cualquier fotógrafo que trabaje hoy en México debería conocer aunque sea para decidir que le interesan más otros.

Graciela Iturbide: el estándar contra el que se mide todo lo demás

Iturbide nació en 1942 y eso técnicamente la sitúa fuera de lo que muchos entienden por "contemporáneo". Pero sigue disparando, sigue publicando y sigue siendo la fotógrafa mexicana con mayor reconocimiento internacional sostenido, así que excluirla de esta conversación sería un error metodológico, no una decisión editorial valiente.

Lo que hace que su trabajo sea irreemplazable como referente no es el Premio Hasselblad de 2008 ni las retrospectivas en el MoMA. Es que resolvió un problema que la fotografía documental latinoamericana no había resuelto bien: cómo fotografiar comunidades indígenas sin que la imagen funcione como extracción. Sus retratos de los juchitecos en Juchitán de las Mujeres, trabajados a lo largo de años de presencia real en la comunidad, son documentales en el sentido más riguroso y al mismo tiempo tienen una densidad simbólica que los aleja del reportaje. La foto de la mujer con las iguanas en la cabeza ha circulado tanto que ya casi no se ve. Vale la pena verla de nuevo, despacio, y preguntarse qué decisiones técnicas y humanas hicieron posible ese encuadre.

Su trabajo en la India aparece en Images of the Spirit (Aperture, 1996) y, más tarde, en la monografía India (Fundación Cartier, 2008), donde se demuestra que su método no depende del contexto mexicano, sino de una forma de estar presente.

Eunice Adorno y el documento como intimidad

Eunice Adorno es, para mí, uno de los trabajos más honestos que ha producido la fotografía documental mexicana en los últimos quince años. Su serie más citada, Las mujeres flores, aborda la vida cotidiana de las mujeres menonitas en Nuevo Ideal, Durango, y le tomó más de cuatro años de trabajo sostenido dentro de la comunidad. No semanas, no meses de residencia. Años de acceso real a personas reales en situaciones que la mayoría de los fotógrafos no hubiera podido sostener éticamente ni emocionalmente.

Lo que distingue a Adorno del documental social convencional es que sus imágenes no ilustran una tesis. No entras a sus fotos sabiendo ya lo que deberías sentir. Eso es más difícil de lograr de lo que parece: la tentación de guiar emocionalmente al espectador es enorme cuando el tema es tan cargado, y la mayoría cede.

Su trabajo ha aparecido en The New York Times, en LensCulture y en diversos medios internacionales. En México se la cita menos de lo que merece, probablemente porque su trabajo incomoda de una manera que no es fácil de estetizar.

Alejandro Cartagena y la ciudad como síntoma

Cartagena trabaja desde Monterrey y eso ya dice algo. No desde la Ciudad de México, no desde una beca en Nueva York, sino desde una ciudad industrial del norte que produce sus propias lógicas visuales y sus propias contradicciones urbanas.

Su serie Carpoolers, fotografiada desde un puente sobre la autopista en las mañanas, muestra a trabajadores viajando en la caja de camionetas pickup hacia sus empleos. Las imágenes son aéreas, casi abstractas, y al mismo tiempo completamente específicas sobre clase, trabajo y geografía mexicana. Fue una serie que circuló internacionalmente y que generó conversación real sobre lo que puede hacer una fotografía cuando la perspectiva es literalmente poco convencional.

Tiene también trabajo sobre fraccionamientos y urbanización periférica —Suburbia Mexicana— que, combinado con Carpoolers, construye un retrato de la ciudad latinoamericana contemporánea que ningún texto de urbanismo ha logrado hacer con tanta economía de medios. Conocer su trabajo es útil aunque tu fotografía no tenga nada que ver con lo urbano, porque el problema que resuelve —cómo hacer que una perspectiva inusual no sea un truco sino una argumentación— es universal.

Daniela Rossell y la incomodidad como método

Rossell hizo algo que muy poca gente hace bien: fotografiar a la élite desde adentro sin romantizarla ni caricaturizarla. Su serie Ricas y Famosas, publicada como libro en 2002 pero aún completamente vigente como referente, retrata a mujeres de familias acomodadas mexicanas en sus propios espacios, con su propia colaboración, y el resultado es perturbador de una manera que ninguna de las fotografiadas parece haber anticipado.

La pregunta que genera ese trabajo sigue sin respuesta fácil: ¿es crítica social disfrazada de retrato o retrato que accidentalmente se volvió crítica social? Que esa ambigüedad no se haya resuelto después de más de veinte años es, precisamente, lo que hace que el trabajo siga siendo relevante. Cualquier fotógrafo que trabaje con retrato, sea cual sea su contexto, tiene algo que aprender de cómo Rossell negoció el acceso y la complicidad.

Lo que todos ellos tienen en común, y lo que no

No hacen fotografía de géneros iguales. No comparten una estética. Lo que sí comparten es que cada uno tomó una decisión sobre qué le interesaba fotografiar y le dedicó tiempo real, no proyectos de tres semanas sino años de trabajo sostenido sobre un territorio específico, ya sea geográfico o temático.

Eso es lo que separa el trabajo que genera conversación del trabajo que llena portfolios. Y es también, dicho sea de paso, lo que hace que estudiarlos sea útil más allá de la admiración: cada uno de ellos tiene una respuesta concreta a la pregunta de cómo se sostiene un proyecto fotográfico en el tiempo sin que se diluya.

Hay nombres que podrían estar en este artículo y no están. Pablo López Luz, con su trabajo aéreo sobre la urbanización mexicana, es uno. Maya Goded, con su documentación de trabajadoras sexuales en Ciudad de México, es otro. No los incluí porque el artículo ya tiene el peso suficiente, no porque su trabajo valga menos. La omisión es una decisión editorial, no un juicio.

Si estás construyendo tu propio lenguaje visual y sientes que te falta un mapa de referencias, el mejor ejercicio que conozco es elegir uno de estos fotógrafos, conseguir su libro físico si puedes, y pasar dos horas con él sin leer los textos. Primero las imágenes. Las decisiones hablan antes que las explicaciones.